001. Frank Sinatra – In the Wee Small Hours (1955)
Este fue el primer LP publicado por Frank Sinatra. Hasta la fecha todo habían sido singles y fue Sinatra quien empezó a popularizar este formato. Es un disco lleno de melancolía y tristeza por un amor perdido (se dice que el de de Ava Gadner). Tanto la portada como el contenido del disco se considera un clásico de clásicos y la crítica reconoce este trabajo como uno de los discos más importantes de la história.
Y no hay que engañarse creyendo que para disfrutar de este disco hace falta un imposible esfuerzo de adaptación, o que esta música es un gusto adquirido, imposible para un oyente habitual de pop o de rock o de menos de sesenta años.
Esta es música adulta, sin duda, y que también se puede encontrar aquí en cantidades ingentes: emoción inabarcable y delicada belleza servidas con mucha sofisticación y algo de melodramatismo saludablemente excesivo.
Sólo que aquí está mejor hecho que en ningún otro disco. Esta es la obra de un gigante y de un genio. Y aunque toda la vida hayas creído, equivocadamente otra cosa, se dice rectificar es de sabios. Este es el álbum más importante de la música popular del Siglo XX.
Y no hay que engañarse creyendo que para disfrutar de este disco hace falta un imposible esfuerzo de adaptación, o que esta música es un gusto adquirido, imposible para un oyente habitual de pop o de rock o de menos de sesenta años.
Esta es música adulta, sin duda, y que también se puede encontrar aquí en cantidades ingentes: emoción inabarcable y delicada belleza servidas con mucha sofisticación y algo de melodramatismo saludablemente excesivo.
Sólo que aquí está mejor hecho que en ningún otro disco. Esta es la obra de un gigante y de un genio. Y aunque toda la vida hayas creído, equivocadamente otra cosa, se dice rectificar es de sabios. Este es el álbum más importante de la música popular del Siglo XX.
1. In the Wee Small Hours of the Morning
2. Mood Indigo
3. Glad to Be Unhappy
4. I Get Along Without You Very Well
5. Deep in a Dream
6. I See Your Face Before Me
7. Can't We Be Friends?
8. When Your Lover Has Gone
9. What Is This Thing Called Love?
10. Last Night When We Were Young
11. I'll Be Around
12. Ill Wind
13. It Never Entered My Mind
14. Dancing on the Ceiling
15. I'll Never Be the Same
16. This Love of Mine
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2. Mood Indigo
3. Glad to Be Unhappy
4. I Get Along Without You Very Well
5. Deep in a Dream
6. I See Your Face Before Me
7. Can't We Be Friends?
8. When Your Lover Has Gone
9. What Is This Thing Called Love?
10. Last Night When We Were Young
11. I'll Be Around
12. Ill Wind
13. It Never Entered My Mind
14. Dancing on the Ceiling
15. I'll Never Be the Same
16. This Love of Mine
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002. Elvis Presley – Elvis Presley (1956)
Elvis Presley es el álbum debut de Elvis Presley en RCA Records, con número de catálogo LPM 1254, que apareció en marzo de 1956. Fue grabado en los estudios de Sun Records en Memphis, en los estudios de Nashville de RCA a mediados de enero y en los estudios de Nueva York de RCA a finales de enero. Permaneció diez semanas en el número 1 de la lista Billboard Top Pop álbumes ese año.
El 21 de noviembre de 1955, RCA Records compró el contrato de Elvis Presley a Sun Records por la cantidad de 35.000 dólares, gracias al ejecutivo de la RCA Steve Sholes. Presley y el rock'n'roll todavía no habían sido puestos a prueba en el negocio de la música, pero este álbum, junto con el número 1 que obtuvo el single "Heartbreak Hotel", demostraron el poder de ventas de ambos: fue el primer álbum de rock en llegar al número 1, y el primer álbum pop de RCA que llegó a ventas millonarias. En 2003, la revista Rolling Stone lo catapultó a la posición 55 de su lista de 500 mejores discos de toda la historia.
Presley había realizado tres apariciones en el show televisivo de los hermanos Dorsey ("The Dorsey Brothers Stage Show"
el 28 de enero, 4 de febrero y 11 de febrero de ese mismo año, por lo que RCA quiso en aquel momento lanzar un álbum para poder rentabilizar sus apariciones en la televisión nacional y el éxito de su primer single en las listas pop, "Heartbreak Hotel". Al mismo tiempo, Elvis sólo había realizado dos sesiones de grabación para RCA. Esas dos sesiones sumaban 11 temas, algo insuficiente para poder vender un LP completo, dado que algunas canciones tenían potencial. En los años 50, era una práctica general que las canciones con gran potencial comercial fueran lanzadas como singles, mientras que el resto se dedicaban a completar LP's. La solución fue incluir cinco canciones inéditas contenidas en las cintas que Sun Records había entregado a RCA con el contrato de Elvis: "I Love You Because", "Just Because", "Trying to Get to You", "I'll Never Let You Go" y "Blue Moon". Estos temas fueron añadidos a otros siete de las sesiones realizadas para RCA con objeto de dotar al álbum de una duración aceptable.
Como los temas de Sun eran la mayoría de estilo country, Elvis y RCA decidieron incluir los cortes con canciones recientes de rhythm and blues. Dos de ellas, "Money Honey" de Jesse Stone, que Elvis conocía por la versión de Clyde McPhatter, y el éxito de 1955 de Ray Charles "I Got A Woman", llevaban tocándose más de un año en los conciertos de Elvis. La tercera fue el anuncio frenético al mundo de la existencia de Little Richard en 1955, "Tutti Frutti". También se incluyó Un número rockabilly, "Blue Suede Shoes", que no salió inicialmente como single por la promesa que Steve Sholes hizo a Sam Phillips, propietario de Sun Records, de proteger la carrera de otro artista del sello, Carl Perkins, el autor de la canción. El 31 de agosto de 1955, RCA tomó la inusual decisión de lanzar el álbum completo en singles, junto con el nuevo sencillo de Elvis, "Shake, Rattle & Roll / Lawdy Miss Clawdy". El nuevo single no entró en lista, pero "Blue Suede Shoes", lanzado como single después de que la carrera de Perkins se hundiera debido a un accidente automovilístico, llegó al número 20 de las listas de singles.
La portada está posicionada en el número 40 de la lista de Rolling Stone de las 100 mejores portadas de discos. La fotografía fue tomada en Tampa, Florida, el 31 de Enero de 1955. El diseño fue homenajeado por The Clash en la portada de su álbum "London Calling" (que se encuentra en el número 39 de la lista); otros homenajes incluyen "Rain Dogs" (1985) de Tom Wait, y "Reintamation" (2006) de k. d. lang.
El álbum fue lanzado en compact disc en una edición extendida el 18 de mayo de 1999, y de nuevo el 11 de enero de 2005. Para la edición de 1999, el disco comenzaba con el single "Heartbreak Hotel" y su correspondiente cara B, seguida por el propio álbum, y finalizaba con cuatro bonus tracks tomados de otros sencillos de la época. La edición de 2005 situaba los bonus tracks al final del disco. El sello Follow That Dream, dedicado a los coleccionistas de la música de Elvis, lanzó el 15 de agosto de 2006 un doble compacto con el álbum, los bonus tracks y numerosas tomas adicionales.
El 21 de noviembre de 1955, RCA Records compró el contrato de Elvis Presley a Sun Records por la cantidad de 35.000 dólares, gracias al ejecutivo de la RCA Steve Sholes. Presley y el rock'n'roll todavía no habían sido puestos a prueba en el negocio de la música, pero este álbum, junto con el número 1 que obtuvo el single "Heartbreak Hotel", demostraron el poder de ventas de ambos: fue el primer álbum de rock en llegar al número 1, y el primer álbum pop de RCA que llegó a ventas millonarias. En 2003, la revista Rolling Stone lo catapultó a la posición 55 de su lista de 500 mejores discos de toda la historia.
Presley había realizado tres apariciones en el show televisivo de los hermanos Dorsey ("The Dorsey Brothers Stage Show"
el 28 de enero, 4 de febrero y 11 de febrero de ese mismo año, por lo que RCA quiso en aquel momento lanzar un álbum para poder rentabilizar sus apariciones en la televisión nacional y el éxito de su primer single en las listas pop, "Heartbreak Hotel". Al mismo tiempo, Elvis sólo había realizado dos sesiones de grabación para RCA. Esas dos sesiones sumaban 11 temas, algo insuficiente para poder vender un LP completo, dado que algunas canciones tenían potencial. En los años 50, era una práctica general que las canciones con gran potencial comercial fueran lanzadas como singles, mientras que el resto se dedicaban a completar LP's. La solución fue incluir cinco canciones inéditas contenidas en las cintas que Sun Records había entregado a RCA con el contrato de Elvis: "I Love You Because", "Just Because", "Trying to Get to You", "I'll Never Let You Go" y "Blue Moon". Estos temas fueron añadidos a otros siete de las sesiones realizadas para RCA con objeto de dotar al álbum de una duración aceptable. Como los temas de Sun eran la mayoría de estilo country, Elvis y RCA decidieron incluir los cortes con canciones recientes de rhythm and blues. Dos de ellas, "Money Honey" de Jesse Stone, que Elvis conocía por la versión de Clyde McPhatter, y el éxito de 1955 de Ray Charles "I Got A Woman", llevaban tocándose más de un año en los conciertos de Elvis. La tercera fue el anuncio frenético al mundo de la existencia de Little Richard en 1955, "Tutti Frutti". También se incluyó Un número rockabilly, "Blue Suede Shoes", que no salió inicialmente como single por la promesa que Steve Sholes hizo a Sam Phillips, propietario de Sun Records, de proteger la carrera de otro artista del sello, Carl Perkins, el autor de la canción. El 31 de agosto de 1955, RCA tomó la inusual decisión de lanzar el álbum completo en singles, junto con el nuevo sencillo de Elvis, "Shake, Rattle & Roll / Lawdy Miss Clawdy". El nuevo single no entró en lista, pero "Blue Suede Shoes", lanzado como single después de que la carrera de Perkins se hundiera debido a un accidente automovilístico, llegó al número 20 de las listas de singles.
La portada está posicionada en el número 40 de la lista de Rolling Stone de las 100 mejores portadas de discos. La fotografía fue tomada en Tampa, Florida, el 31 de Enero de 1955. El diseño fue homenajeado por The Clash en la portada de su álbum "London Calling" (que se encuentra en el número 39 de la lista); otros homenajes incluyen "Rain Dogs" (1985) de Tom Wait, y "Reintamation" (2006) de k. d. lang.
El álbum fue lanzado en compact disc en una edición extendida el 18 de mayo de 1999, y de nuevo el 11 de enero de 2005. Para la edición de 1999, el disco comenzaba con el single "Heartbreak Hotel" y su correspondiente cara B, seguida por el propio álbum, y finalizaba con cuatro bonus tracks tomados de otros sencillos de la época. La edición de 2005 situaba los bonus tracks al final del disco. El sello Follow That Dream, dedicado a los coleccionistas de la música de Elvis, lanzó el 15 de agosto de 2006 un doble compacto con el álbum, los bonus tracks y numerosas tomas adicionales.
1. Blue Suede Shoes
2. I’m Counting on You
3. I Got A Woman
4. One-Sided Love Affair
5. I Love You Because
6. Just Because
7. Tutti Frutti
8. Trying to Get to You
9. I’m Gonna Sit Right Down and Cry (Over You)
10. I’ll Never Let You Go (Lil’ Darlin’)
11. Blue Moon
12. Money Honey
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2. I’m Counting on You
3. I Got A Woman
4. One-Sided Love Affair
5. I Love You Because
6. Just Because
7. Tutti Frutti
8. Trying to Get to You
9. I’m Gonna Sit Right Down and Cry (Over You)
10. I’ll Never Let You Go (Lil’ Darlin’)
11. Blue Moon
12. Money Honey
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003. Louvin Brothers – Tragic Songs of Life (1956)
The Louvin Brothers (Ira y Charlie Louvin) se dieron a conocer en los años 40 y se sumaron al tradicional sonido country, siguiendo los pasos de The Delmore Brothers y allanando el camino a The Everly Brothers. Tragic Songs Of Life, su primer álbum, es una obra canónica del country. La voz de barítono de Charlie y el tono agudo de Ira se van intercalando y se fusionan con un estilo chispeante y una gracilidad embelesadora. La portada del disco, que muestra a Ira y Charlie superpuestos sobre una rubia que sostiene una carta arrugada entre sus dedos parece la portada de una novela barata. Y la verdad es que, para los hermanos Louvin, estas canciones marcadas por el pecado, la tragedia y la tentación eran todas muy reales. No había nada pretencioso o kistch en ellas, y las pulsiones autodestructivas de Ira le dieron al cancionero el filo cortante de los mejores cuchillos.
1. Kentucky
2. I'll Be All Smiles Tonight
3. Let Her Go, God Bless Her
4. What Is Home Without Love
5. Tiny Broken Heart
6. In the Pines
7. Alabama
8. Katie Dear
9. My Brother's Will
10. Knoxville Girl
2. I'll Be All Smiles Tonight
3. Let Her Go, God Bless Her
4. What Is Home Without Love
5. Tiny Broken Heart
6. In the Pines
7. Alabama
8. Katie Dear
9. My Brother's Will
10. Knoxville Girl
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004. Louis Prima – Wildest (1957)
“Célebre cantante y trompetista de clubes nocturnos en los años 30 y 40, primero en Nueva Orleans y después en Nueva York, Prima se vio sin muchas oportunidades de trabajo en 1954. Con una nueva esposa, que también le acompañaba en el escenario -él tenía 43 años mal llevados y ella unos cándidos 22-, consiguió que le dieran una noche en el lounge del Sahara, en Las Vegas. Para completar la banda contrató a Sam Butera, un joven saxofonista de Nueva Orleans. Ell éxito fue inmediato y esta deslumbrante media hora, grabada en directo en el estudio en abril de 1956, fue la guinda del pastel.
Los puristas del jazz a menudo desprecian a Prima, a quien consideran un Louis Armstrong a la italiana. Y quizá lo hacen por los tres hits de Satchmo que incluye el disco: “You Rascal You” y un meddley con la contenida “Basin Street Blues” más una versión de “When It’s Sleepy Time Down South” que no suena soporífera. Las críticas, de todos modos, no deben despistarnos: en este disco solo hay canciones irresistibles que están a la altura de la gloriosa portada. Prima suena de forma optimista, alborotada e irresistible y hace que la banda se recree en “Oh Marie”. Smith, además, embellece sistemáticamente las intervenciones del cantante. Butera y compañía, por su parte, les acompañan con el jump-jive más chispeante que se ha grabado nunca. Este sonido se ha imitado en muchas ocasiones. Brian Setzer hizo una versión calcada de “Jump, Jive, An’Wail” que fue utilizada en un anuncio de Gap. Butera, autor de los arreglos originales, dijo que fue remunerado con unos cuantos pantalones por el privilegio. Prima murió en 1978, pero su legado ha perdurado a través de su hija Lena, quien ha tocado recientemente en el Sahara, y del orangurán parlanchín de “El Libro de la Selva”, al que puso su voz. Sin duda algunam fue el rey de los swingers.” Will Fulford-Jones
Los puristas del jazz a menudo desprecian a Prima, a quien consideran un Louis Armstrong a la italiana. Y quizá lo hacen por los tres hits de Satchmo que incluye el disco: “You Rascal You” y un meddley con la contenida “Basin Street Blues” más una versión de “When It’s Sleepy Time Down South” que no suena soporífera. Las críticas, de todos modos, no deben despistarnos: en este disco solo hay canciones irresistibles que están a la altura de la gloriosa portada. Prima suena de forma optimista, alborotada e irresistible y hace que la banda se recree en “Oh Marie”. Smith, además, embellece sistemáticamente las intervenciones del cantante. Butera y compañía, por su parte, les acompañan con el jump-jive más chispeante que se ha grabado nunca. Este sonido se ha imitado en muchas ocasiones. Brian Setzer hizo una versión calcada de “Jump, Jive, An’Wail” que fue utilizada en un anuncio de Gap. Butera, autor de los arreglos originales, dijo que fue remunerado con unos cuantos pantalones por el privilegio. Prima murió en 1978, pero su legado ha perdurado a través de su hija Lena, quien ha tocado recientemente en el Sahara, y del orangurán parlanchín de “El Libro de la Selva”, al que puso su voz. Sin duda algunam fue el rey de los swingers.” Will Fulford-Jones
1. Medley: Just a Gigolo/It Ain't Got Nobody
2. (Nothing's too Good) For My Baby
3. The Lip
4. Body and Soul
5. Oh, Marie
6. Medley : Basin Street Blues/When It's Sleepy Time Down South
7. Jump,Jive An' Wail
8. Buona Sera
9. Night Train
10. I'll be Glad When You're Dead, You Rascal You
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2. (Nothing's too Good) For My Baby
3. The Lip
4. Body and Soul
5. Oh, Marie
6. Medley : Basin Street Blues/When It's Sleepy Time Down South
7. Jump,Jive An' Wail
8. Buona Sera
9. Night Train
10. I'll be Glad When You're Dead, You Rascal You
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005. Fats Domino – This is Fats (1957)
Antoine «Fats» Domino nació en Nueva Orleans en 1928. Consumado pianista, toda su música está empapada de una alegría vital el sello propio de su ciudad natal.
Muchos creen que el primer rock and roll de la historia fué su sencillo de 1949 «The fat man»,desde ese momento hasta finales de los 50, sus canciones llegaban fácilmente a los primeros puestos de las listas de «race records» (así se catalogaba a la música negra en aquellos años).
Destacan especialmente «I´m walking», «Ain´t that a shame» o su versión definitiva del standard «Blueberry hill». Muchos de sus temas conocieron el éxito masivo al ser versioneados por artistas blancos como Pat Boone o Ricky Nelson, de la misma manera que le pasaba a Little Richard también.
A partir de los años 60 se fue retirando de manera discreta del primer plano y sin encándalos, al contrario que muchos de sus contemporáneos.
Siempre ha estado entre los favoritos de muchos músicos, como The Beatles sin ir más lejos.
Muchos creen que el primer rock and roll de la historia fué su sencillo de 1949 «The fat man»,desde ese momento hasta finales de los 50, sus canciones llegaban fácilmente a los primeros puestos de las listas de «race records» (así se catalogaba a la música negra en aquellos años).
Destacan especialmente «I´m walking», «Ain´t that a shame» o su versión definitiva del standard «Blueberry hill». Muchos de sus temas conocieron el éxito masivo al ser versioneados por artistas blancos como Pat Boone o Ricky Nelson, de la misma manera que le pasaba a Little Richard también.
A partir de los años 60 se fue retirando de manera discreta del primer plano y sin encándalos, al contrario que muchos de sus contemporáneos.
Siempre ha estado entre los favoritos de muchos músicos, como The Beatles sin ir más lejos.
1. Blueberry Hill
2. Honey Chile
3. What's the Reason (I'm Not Pleasing You) - Fats Domino, Hatch, Carl
4. Blue Monday
5. So Long
6. La-La
7. Troubles of My Own
8. You Done Me Wrong
9. Reeling and Rocking
10. The Fat Man's Hop
11. Poor, Poor Me
12. Trust in Me
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2. Honey Chile
3. What's the Reason (I'm Not Pleasing You) - Fats Domino, Hatch, Carl
4. Blue Monday
5. So Long
6. La-La
7. Troubles of My Own
8. You Done Me Wrong
9. Reeling and Rocking
10. The Fat Man's Hop
11. Poor, Poor Me
12. Trust in Me
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006. Duke Ellington – At Newport (1956)
Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "jungle style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta.
En 1955 vuelve a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones mas sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto"
En 1955 vuelve a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones mas sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto"
1. Star Spangled Banner
2. Father Norman O'Connor Introduces Duke & The Orchestra / Duke Introduces Tune & Anderson, Jackson...
3. Black And Tan Fantasy
4. Duke Introduces Cook & Tune
5. Tea For Two
6. Duke & Band Leave Stage / Father Norman O'Connor Talks About Festival
7. Take The A Train
8. Duke Announces Strayhorn's A Train & Nance / Duke Introduces Festival Suite, Part I & Hamilton
9. Part 1: Festival Junction
10. Duke Announces Soloists; Introduces Part II - (live)
11. Part II: Blues To Be There (Live)
12. Duke Announces Nance & Procope; Introduces Part III - (live)
13. Part III: Newport Up
14. Duke Announces Hamilton, Gonsalves, & Terry / Duke Introduces Cook & Tune - (live)
15. Sophisticated Lady - (live)
16. Duke Announces Grissom & Tune - (live)
17. Day In, Day Out (Live)
18. Duke Introduces Tune (s) And Paul Gonsalves Interludes - (live)
19. Diminuendo In Blue And Crescendo In Blue - (live)
20. Announcements, Pandemonium - (live)
21. Pause Track
Disc 2
1. Duke Introduces Johnny Hodges
2. I Got It Bad (And That Ain't Good) - (previously unreleased, live)
3. Jeep's Blues - (live)
4. Duke Calms Crowd; Introduces Nance & Tune
5. Tulip Or Turnip - (previously unreleased)
6. Riot Prevention
7. Skin Deep
8. Mood Indigo - (previously unreleased)
9. Studio Concert - (excerpts)
10. Father Norman O'Connor Introduces Duke Ellington / Duke Introduces New Work, Part I, & Hamilton
11. Festival Junction
12. Duke Announces Soloists; Introduces Part II
13. Blues To Be There
14. Duke Announces Nance & Procope; Introduces Part III
15. Newport Up
16. Duke Announces Hamilton, Gonsalves, & Terry / Pause / Duke Introduces Johnny Hodges 17. I Got It Bad (And That Ain't Good)
18. Jeep's Blues - (previously unreleased)
19. Pause Track
CD1Download
CD2Download
__________________________________________________2. Father Norman O'Connor Introduces Duke & The Orchestra / Duke Introduces Tune & Anderson, Jackson...
3. Black And Tan Fantasy
4. Duke Introduces Cook & Tune
5. Tea For Two
6. Duke & Band Leave Stage / Father Norman O'Connor Talks About Festival
7. Take The A Train
8. Duke Announces Strayhorn's A Train & Nance / Duke Introduces Festival Suite, Part I & Hamilton
9. Part 1: Festival Junction
10. Duke Announces Soloists; Introduces Part II - (live)
11. Part II: Blues To Be There (Live)
12. Duke Announces Nance & Procope; Introduces Part III - (live)
13. Part III: Newport Up
14. Duke Announces Hamilton, Gonsalves, & Terry / Duke Introduces Cook & Tune - (live)
15. Sophisticated Lady - (live)
16. Duke Announces Grissom & Tune - (live)
17. Day In, Day Out (Live)
18. Duke Introduces Tune (s) And Paul Gonsalves Interludes - (live)
19. Diminuendo In Blue And Crescendo In Blue - (live)
20. Announcements, Pandemonium - (live)
21. Pause Track
Disc 2
1. Duke Introduces Johnny Hodges
2. I Got It Bad (And That Ain't Good) - (previously unreleased, live)
3. Jeep's Blues - (live)
4. Duke Calms Crowd; Introduces Nance & Tune
5. Tulip Or Turnip - (previously unreleased)
6. Riot Prevention
7. Skin Deep
8. Mood Indigo - (previously unreleased)
9. Studio Concert - (excerpts)
10. Father Norman O'Connor Introduces Duke Ellington / Duke Introduces New Work, Part I, & Hamilton
11. Festival Junction
12. Duke Announces Soloists; Introduces Part II
13. Blues To Be There
14. Duke Announces Nance & Procope; Introduces Part III
15. Newport Up
16. Duke Announces Hamilton, Gonsalves, & Terry / Pause / Duke Introduces Johnny Hodges 17. I Got It Bad (And That Ain't Good)
18. Jeep's Blues - (previously unreleased)
19. Pause Track
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007. Frank Sinatra – Songs for Swingin’ Lovers! (1956)
El disco Songs for swingin’ lovers apareció en 1956, y alcanzó así mismo el número dos en las listas del país, en las que permaneció durante 66 semanas. Este álbum contiene canciones tan maravillosas como You Make me Feel so Young, How About You?, Love is Here to Stay o I've Got You Under My Skin ideales para un atardecer de verano, y suenan tan frescas que nadie diría que tienen ya 50 años. Swing por los cuatro costados y canciones cortitas y alegres, con orquestación pomposa, con trompetas estridentes, pero también con momentos jazz de lo más sosegados.
1. You Make Me Feel So Young
2. It Happened in Monterey
3. You're Getting to Be a Habit with Me
4. You Brought a New Kind of Love to Me
5. Too Marvelous for Words
6. Old Devil Moon
7. Pennies from Heaven
8. Love Is Here to Stay
9. I've Got You Under My Skin
10. I Thought About You
11. We'll Be Together Again
12. Makin' Whoopee
13. Swingin' Down the Lane
14. Anything Goes
15. How About You?
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2. It Happened in Monterey
3. You're Getting to Be a Habit with Me
4. You Brought a New Kind of Love to Me
5. Too Marvelous for Words
6. Old Devil Moon
7. Pennies from Heaven
8. Love Is Here to Stay
9. I've Got You Under My Skin
10. I Thought About You
11. We'll Be Together Again
12. Makin' Whoopee
13. Swingin' Down the Lane
14. Anything Goes
15. How About You?
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008. The Crickets – Chirping… (1957)
Primer álbum de Buddy Holly, en compañía de los Crickets (Niki Sullivan a la guitarra rítmica, Joe B. Mauldin al contrabajo y Jerry Allison a la batería), en edición remasterizada del año 2004, conmemorando el 50 Aniversario del nacimiento del Rock 'N' Roll. Esta reedición incluye los 12 temas del LP original de 1957 + 4 Bonus Tracks. Entre los temas originales, algunos de los más clásicos de Holly: "Oh Boy!" y su exitosa Cara B "Not Fade Away" (versionada en su día por los Rolling Stones), "Maybe Baby", o el grandioso "That'll Be The Day" (que en su día supuso la primera grabación que registraron The Beatles, con "In Spite Of All The Dangers" en su Cara B). Buddy Holly sacó el título de esta canción de una frase que repite constantemente el personaje interpretado por John Wayne en el famoso western "Centauros del Desierto". Entre los detalles del disco, destacan un par de composiciones de Roy Orbison, "You've Got Love" y "An Empty Cup (And A Broken Date)", o el tema "I'm Looking For Someone To Love" (cara B del single "That'll Be The Day". No faltan tampoco las baladas como "It's Too Late" o "Last Night". El listado de Bonus Tracks lo integran "Think It Over", "Fool's Paradise", la genial "Lonesome Tears" e "It's So Easy", que popularizaría veinte años más tarde la cantante Linda Ronstadt.
Entre los créditos del disco, destaca la presencia del excelente guitarrista Tommy Allsup o la primera aparición de The Picks, el grupo vocal que acompañaría a Holly durante gran parte de su carrera en solitario. Un disco imprescindible para entender su leyenda.
. No faltan tampoco las baladas como "It's Too Late" o "Last Night". El listado de Bonus Tracks lo integran "Think It Over", "Fool's Paradise", la genial "Lonesome Tears" e "It's So Easy", que popularizaría veinte años más tarde la cantante Linda Ronstadt. Entre los créditos del disco, destaca la presencia del excelente guitarrista Tommy Allsup o la primera aparición de The Picks, el grupo vocal que acompañaría a Holly durante gran parte de su carrera en solitario. Un disco imprescindible para entender su leyenda.
01 - Oh, Boy!
02 - Not Fade Away
03 - You've Got Love
04 - Maybe Baby
05 - It's Too Late
06 - Tell Me How
07 - That'll Be The Day
08 - I'm Looking For Someone To Love
09 - An Empty Cup (And A Broken Date)
10 - Send Me Some Lovin'
11 - Last Night
12 - Rock Me My Baby
13 - Think It Over
14 - Fool's Paradise
15 - Lonesome Tears
16 - It's So Easy
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02 - Not Fade Away
03 - You've Got Love
04 - Maybe Baby
05 - It's Too Late
06 - Tell Me How
07 - That'll Be The Day
08 - I'm Looking For Someone To Love
09 - An Empty Cup (And A Broken Date)
10 - Send Me Some Lovin'
11 - Last Night
12 - Rock Me My Baby
13 - Think It Over
14 - Fool's Paradise
15 - Lonesome Tears
16 - It's So Easy
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009. Count Basie – Atomic Mr Basie (1957)
William Basie (Red Bank, 21 de agosto de 1904 - Hollywood, 26 de abril de 1984), conocido como Count Basie, fue un director de big band y pianista estadounidense de jazz.
Se trata de uno de los músicos de jazz más populares de la historia, vinculado, prácticamente durante cincuenta años, a la dirección de una big band de importante influencia en determinados registros estilísticos del jazz asociados, principalmente, al swing y a su corriente más tradicional.
Count Basie tardó más que ninguno en elegir su lema -"Sixteen men swinging", grabado en 1954-, y es la definición más precisa de la convivencia musical que hizo de la orquesta una institución a la que el jazz nunca dejó de mirar en busca de inspiración y como modelo de unidad y espíritu de cuerpo.
Existen centenares de grabaciones de arreglos de Buck Clayton, Benny Carter, Quincy Jones, Neal Hefti, Oliver Nelson o Thad Jones que certifican la espontánea precisión del conjunto guiado desde el piano por el director, que casi siempre se limitaba a una frase de apertura y las clásicas tres notas de cierre, pero también era capaz de sorprender con un miniconcierto como "The Kid from Red Bank", incluido en "The Atomic Mr. Basie", el álbum cumbre de la banda.
Se trata de uno de los músicos de jazz más populares de la historia, vinculado, prácticamente durante cincuenta años, a la dirección de una big band de importante influencia en determinados registros estilísticos del jazz asociados, principalmente, al swing y a su corriente más tradicional.
Count Basie tardó más que ninguno en elegir su lema -"Sixteen men swinging", grabado en 1954-, y es la definición más precisa de la convivencia musical que hizo de la orquesta una institución a la que el jazz nunca dejó de mirar en busca de inspiración y como modelo de unidad y espíritu de cuerpo.
Existen centenares de grabaciones de arreglos de Buck Clayton, Benny Carter, Quincy Jones, Neal Hefti, Oliver Nelson o Thad Jones que certifican la espontánea precisión del conjunto guiado desde el piano por el director, que casi siempre se limitaba a una frase de apertura y las clásicas tres notas de cierre, pero también era capaz de sorprender con un miniconcierto como "The Kid from Red Bank", incluido en "The Atomic Mr. Basie", el álbum cumbre de la banda.
1.Kid From Red Bank, The
2. Duet
3. After Supper
4. Flight Of The Foo Birds
5. Double-O
6. Teddy The Toad
7. Whirly-Bird
8. Midnite Blue
9. Splanky
10. Fantail
11. Li'l Darlin'
12. Silks And Satins - (bonus track)
13. Sleepwalker's Serenade-(alternate take)
14. Sleepwalker's Serenade - (bonus track)
15. Late Late Show, The - (bonus track)
16. Late Late Show, The - (vocal version)
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2. Duet
3. After Supper
4. Flight Of The Foo Birds
5. Double-O
6. Teddy The Toad
7. Whirly-Bird
8. Midnite Blue
9. Splanky
10. Fantail
11. Li'l Darlin'
12. Silks And Satins - (bonus track)
13. Sleepwalker's Serenade-(alternate take)
14. Sleepwalker's Serenade - (bonus track)
15. Late Late Show, The - (bonus track)
16. Late Late Show, The - (vocal version)
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010. Thelonious Monk – Brilliant Corners (1957)
Su estilo interpretativo y compositivo, formado plenamente en 1947, apenas varió en los 25 años siguientes. Pianista fundador del bebop, tocó también bajo el influjo del hard bop y de la música modal. Es conocido por su estilo único de improvisación, así como por haber compuesto varios temas clásicos del repertorio jazzístico, destacando "'Round Midnight", "Straight No Chaser", "52nd Street Theme" y "Blue Monk".
1. Brilliant Corners
2. Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-are
3. Pannonica
4. I Surrender, Dear
5. Bemsha Swing
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2. Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-are
3. Pannonica
4. I Surrender, Dear
5. Bemsha Swing
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011. Sabú – Palo Congo (1957)
Sabú Martinez, nacido en Spanish Harlem de Nueva York, tocó a los 17 años con la orquesta de los "Lecuona Cuban Boys", y a los 18 con "Dizzy Gillespie's last Big Band". Fué el mismo Gillespie quien le dió el mote de "Sabú".
De 1949 a 1958 colaboró con Art Blakey con quien grabó varios discos.
En 1957 forma su propio quinteto con el cuál graba éste disco, además de Jazz Espagnole en 1960, su disco más conocido. "Palo Congo"
De 1949 a 1958 colaboró con Art Blakey con quien grabó varios discos.
En 1957 forma su propio quinteto con el cuál graba éste disco, además de Jazz Espagnole en 1960, su disco más conocido. "Palo Congo"
1.- El Combanchero
2.- Billumba (Palo Congo)
3.- Choferito (Plena)
4.- Asabache
5.- Simba
6.- Rhapsodia del Maravilloso
7.- Aggo Elegua
8.- Tribilin Cantore
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2.- Billumba (Palo Congo)
3.- Choferito (Plena)
4.- Asabache
5.- Simba
6.- Rhapsodia del Maravilloso
7.- Aggo Elegua
8.- Tribilin Cantore
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012. Miles Davis – Birth of the Cool (1957)
Los temas de este "Birth of Cool" se grabaron entre 1949 y 1950, aunque no seria hasta 1957 donde no saldrían definitivamente para empaparnos de un bebop lleno de improvisación, llenando la trompeta de Miles Davis cada surco, y dando comienzo la carrera más fructifera que jamás ha dado el jazz.
Las doce piezas de este disco estan llenas de emoción, y la compañía de músicos de Charles Parker junto a los arrreglos de Gil Evans o John Lewis, crean un clima que une tanto la musica clásica junto al ragtime. Un verdadero tour de force.
Desde temas como el inicial "Move" que marca los tiempos del lp, con el solo de trompeta de Miles, hasta "Jeru" (aquí el saxo de Lee Konitz habla de tu a tu al gran Davis), se ve la inmensa capacidad de unos musicos que serán un punto y aparte en el mundo del jazz de todos los tiempos.
Con solo ver la portada de "Birth of cool", en blanco y negro y con el arma entre las manos, el gran trompetista te reclama, te dice que te sientes con tranquilidad para oir algo atemporal, algo que oído hoy, después de tantos años, sigue siendo una verdadera obra de arte.
Quizás "Kind of Blue" sea el referente más impactante.
Pero es este "Birth of Cool" el lugar para comenzar la travesía por el universo tan cambiante y mágico de un ser que convirtió a su instrumento en parte de la divinidad del jazz.
Las doce piezas de este disco estan llenas de emoción, y la compañía de músicos de Charles Parker junto a los arrreglos de Gil Evans o John Lewis, crean un clima que une tanto la musica clásica junto al ragtime. Un verdadero tour de force.
Desde temas como el inicial "Move" que marca los tiempos del lp, con el solo de trompeta de Miles, hasta "Jeru" (aquí el saxo de Lee Konitz habla de tu a tu al gran Davis), se ve la inmensa capacidad de unos musicos que serán un punto y aparte en el mundo del jazz de todos los tiempos.
Con solo ver la portada de "Birth of cool", en blanco y negro y con el arma entre las manos, el gran trompetista te reclama, te dice que te sientes con tranquilidad para oir algo atemporal, algo que oído hoy, después de tantos años, sigue siendo una verdadera obra de arte.
Quizás "Kind of Blue" sea el referente más impactante.
Pero es este "Birth of Cool" el lugar para comenzar la travesía por el universo tan cambiante y mágico de un ser que convirtió a su instrumento en parte de la divinidad del jazz.
1. Move
2. Jeru
3. Moon Dreams
4. Venus de Milo
5. Budo
6. Deception
7. Godchild
8. Boplicity
9. Rocker
10. Israel
11. Rouge
12. Darn That Dream
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2. Jeru
3. Moon Dreams
4. Venus de Milo
5. Budo
6. Deception
7. Godchild
8. Boplicity
9. Rocker
10. Israel
11. Rouge
12. Darn That Dream
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013. Machito - Kenya (1957)
Machito: el padre del jazz latino y la salsa. Frank Grillo, Machito casi desconocido en su propio país, es el músico cubano que más ha influido en diversas corrientes de la música popular en los Estados Unidos, y su influencia supera en profundidad y permanencia la de figuras tan connotadas como Chano Pozo, Dámaso Pérez Prado, Arsenio Rodríguez o Ernesto Lecuona.
Verdadero ídolo en Nueva York, sobre todo entre les minorías de afro-norteamericanos e hispanoparlantes, y entre los músicos y amantes del jazz, la fama de Machito se extendió a Francia, Inglaterra, Finlandia, Japón y otros muchos países.
Durante los años cincuenta Machito obtuvo aún más reconocimiento con números como Christopher Colombus, Consternation, Mambo infierno, Dragnet Mambo, Don't Tease Me y Relax Mambo. En 1957 salió su álbum Kenya, luego reeditado con el título de Latin Soul Plus Jazz. Los solistas fueron Cannombal Adderley (saxo alto), Joe Newman y Doc Cheatham (trompetas), Johnny Griffin y Ray Santos (saxos tenores), Eddie Bert y Santo Russo (trombones), Cándido Camero y Patato Valdés (tumbadoras) y José Mangual (bongoes). Los arreglos eran de René Hernández y A.K. Salim. Un año después salió el LD Machito with Flute to Boot (reeditado luego como Afro-Jazziac), con arreglos y solos de flauta de Herbie Mann, y con Johnny Griffin (saxo tenor) y Curtis Fuller (trombón).
Verdadero ídolo en Nueva York, sobre todo entre les minorías de afro-norteamericanos e hispanoparlantes, y entre los músicos y amantes del jazz, la fama de Machito se extendió a Francia, Inglaterra, Finlandia, Japón y otros muchos países.
Durante los años cincuenta Machito obtuvo aún más reconocimiento con números como Christopher Colombus, Consternation, Mambo infierno, Dragnet Mambo, Don't Tease Me y Relax Mambo. En 1957 salió su álbum Kenya, luego reeditado con el título de Latin Soul Plus Jazz. Los solistas fueron Cannombal Adderley (saxo alto), Joe Newman y Doc Cheatham (trompetas), Johnny Griffin y Ray Santos (saxos tenores), Eddie Bert y Santo Russo (trombones), Cándido Camero y Patato Valdés (tumbadoras) y José Mangual (bongoes). Los arreglos eran de René Hernández y A.K. Salim. Un año después salió el LD Machito with Flute to Boot (reeditado luego como Afro-Jazziac), con arreglos y solos de flauta de Herbie Mann, y con Johnny Griffin (saxo tenor) y Curtis Fuller (trombón).
1. Wild Jungle
2. Congo Mulence
3. Kenya
4. Oyeme
5. Holiday
6. Cannonology
7. Frenzy
8. Blues a la Machito
9. Conversation
10. Tin Tin Deo
11. Minor Rama
12. Tururato
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2. Congo Mulence
3. Kenya
4. Oyeme
5. Holiday
6. Cannonology
7. Frenzy
8. Blues a la Machito
9. Conversation
10. Tin Tin Deo
11. Minor Rama
12. Tururato
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014. Little Richard – Here's Little Richard (1957)
Little Richard (Macon, Georgia, 1932) era un escándalo viviente en los conservadores años 50. Predicador adventista que considera la homosexualidad "una aberración" y "pecado", Little Richard es un escándalo viviente en los tiempos actuales, más progresistas o al menos políticamente correctos. Comenzó su carrera musical desde muy chico cantando gospel en la iglesia, lo cual más tarde le trajo problemas porque cuando empezó a desarrollar su enérgico estilo de boogie woogie al piano y cantar a los gritos, la gente lo acusó de tener dentro suyo al Diablo. Little Richard fue el primer artista negro que los chicos blancos empezaron a escuchar, por lo tanto fue muy odiado por los padres, igual que el rock & roll.
1. Tutti Frutti
2. True, Fine Mama
3. Can't Believe You Wanna' Leave
4. Ready Teddy
5. Baby
6. Slippin' and Slidin'
7. Long Tall Sally
8. Miss Ann
9. Oh Why?
10. Rip It Up
11. Jenny Jenny
12. She's Got It
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2. True, Fine Mama
3. Can't Believe You Wanna' Leave
4. Ready Teddy
5. Baby
6. Slippin' and Slidin'
7. Long Tall Sally
8. Miss Ann
9. Oh Why?
10. Rip It Up
11. Jenny Jenny
12. She's Got It
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015. Tito Puente - Dance Mania (1957)
Dance Mania es un disco que refleja uno de los mejores momentos de la carrera de Tito Puente, y en buena medida explica el desarrollo posterior de la música latina de Nueva York. A la vez, es una de las grabaciones que muestra más gráficamente la influencia de las grandes orquestas cubanas de los cincuenta amalgamada con la de las bandas de jazz norteamericanas, haciendo palpable el sonido "neoyorquino" en la música bailable que tanta influencia y desarrollo tuvo en las décadas sucesivas, desde los experimentos de los sesenta con el desarrollo de la charanga hasta la más perfilada salsa de finales de los sesenta y setenta.
A pesar de la fecha de grabación -finales de 1957- el sonido logrado en este CD (remasterizado en 1991) no desmerece para nada la calidad de los intérpretes. Lo mejor de las doradas noches del Palladium se instalan en el salón de casa de principios del siglo XXI y la edición permite deleitarse con la alineación de la banda (aparecen los créditos de los músicos) que aparte de Puente incluye a Ray Barreto, Julito Collazo y Ray Rodríguez en los cueros, el pianista y arreglista Ray Coen (Raymond Concepción) y Bobby Rodríguez en el bajo, sosteniendo una sección de metales de 11 personas entre trompetas y saxos. Santos Colón, que aparece como cantante de Puente por primera vez en este disco, hace un trabajo que a él mismo le sirvió de techo en sus futuras grabaciones. Temas como Cuando te vea o Agua limpia todo, con unos impecables y avanzados arreglos, están vocalizados con ese sentimiento y sabor que ya en esa época comenzaban a mostrar los cantantes puertorriqueños.
Tito Puente, además, aliña el disco con uno de su pocos solos de marimba en la pieza Hong Kong Mambo.
Dance Mania, es, sin lugar a dudas, un disco imprescindible para entender la evolución de la carrera de Puente y de la música latina de Nueva York.
A pesar de la fecha de grabación -finales de 1957- el sonido logrado en este CD (remasterizado en 1991) no desmerece para nada la calidad de los intérpretes. Lo mejor de las doradas noches del Palladium se instalan en el salón de casa de principios del siglo XXI y la edición permite deleitarse con la alineación de la banda (aparecen los créditos de los músicos) que aparte de Puente incluye a Ray Barreto, Julito Collazo y Ray Rodríguez en los cueros, el pianista y arreglista Ray Coen (Raymond Concepción) y Bobby Rodríguez en el bajo, sosteniendo una sección de metales de 11 personas entre trompetas y saxos. Santos Colón, que aparece como cantante de Puente por primera vez en este disco, hace un trabajo que a él mismo le sirvió de techo en sus futuras grabaciones. Temas como Cuando te vea o Agua limpia todo, con unos impecables y avanzados arreglos, están vocalizados con ese sentimiento y sabor que ya en esa época comenzaban a mostrar los cantantes puertorriqueños.
Tito Puente, además, aliña el disco con uno de su pocos solos de marimba en la pieza Hong Kong Mambo.
Dance Mania, es, sin lugar a dudas, un disco imprescindible para entender la evolución de la carrera de Puente y de la música latina de Nueva York.
1. El Cayuco
2. Complicación
3. 3-D Mambo
4. Llego Mijan
5. Cuando te Vea
6. Hong Kong Mambo
7. Mambo Gozon
8. Mi Chiquita Quiere Bembe
9. Varsity Drag
10. Estoy Siempre Junto A Ti
11. Agua Limpia Todo
12. Saca Tu Mujer
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016. Billie Holiday – Lady in Satin (1958)
Se puede afirmar que Billie volvía a componer las canciones interpretándolas, con la fuerza creativa y todas las reservas de oficio que puede tener un gran solista improvisador. Pero la improvisación en Billie no es evidente: está en el particular modo de acentuar, en la emoción puesta en el timbre al servicio de cada palabra dicha, de cada idea expuesta. Billie es también famosa por haber dado profundidad a canciones superficiales.
Ese tan particular modo suyo de elaborar las frases, evitando las soluciones obvias y los lugares comunes, experimentó una evolución notable con el pasar de los años, volviéndose cada vez más complejo, a veces excéntrico, pero siempre rico y sorprendente. A esta evolución debemos sumar los cambios en la calidad tímbrica de su voz, que en los inicios de su carrera era punzante y límpida, volviéndose, hacia el final de su vida, amarga y casi ronroneante.
En estas grabaciones, conmovedoras y de una extraordinaria belleza, Billie fuerza los límites de su extensión vocal, sobre todo en el registro bajo, donde se vuelve más insinuante que explícita. Su fraseo se convierte, entonces, en algo más tortuoso, doloroso y dramático. Algunos han captado en estas grabaciones una estética expresionista que antes le había sido ajena.
Ray Ellis escribió los arreglos y dirigió la orquesta, que no es una orquesta de cuerdas, sino una banda con el agregado de cuerdas (muy del gusto de Billie y de otros cantantes), para estas tomas realizadas entre el 18 y el 20 de enero de 1958, en Nueva York. Allí había grandes personalidades del jazz, como el pianista Hank Jones, los trombonistas J.J. Johnson y Urbie Green y el pianista Mal Waldron.
Billie Holiday murió al año siguiente de realizar este trabajo en Nueva York el 17 de julio de 1959. Tenía 44 años.
Ese tan particular modo suyo de elaborar las frases, evitando las soluciones obvias y los lugares comunes, experimentó una evolución notable con el pasar de los años, volviéndose cada vez más complejo, a veces excéntrico, pero siempre rico y sorprendente. A esta evolución debemos sumar los cambios en la calidad tímbrica de su voz, que en los inicios de su carrera era punzante y límpida, volviéndose, hacia el final de su vida, amarga y casi ronroneante.
En estas grabaciones, conmovedoras y de una extraordinaria belleza, Billie fuerza los límites de su extensión vocal, sobre todo en el registro bajo, donde se vuelve más insinuante que explícita. Su fraseo se convierte, entonces, en algo más tortuoso, doloroso y dramático. Algunos han captado en estas grabaciones una estética expresionista que antes le había sido ajena.
Ray Ellis escribió los arreglos y dirigió la orquesta, que no es una orquesta de cuerdas, sino una banda con el agregado de cuerdas (muy del gusto de Billie y de otros cantantes), para estas tomas realizadas entre el 18 y el 20 de enero de 1958, en Nueva York. Allí había grandes personalidades del jazz, como el pianista Hank Jones, los trombonistas J.J. Johnson y Urbie Green y el pianista Mal Waldron.
Billie Holiday murió al año siguiente de realizar este trabajo en Nueva York el 17 de julio de 1959. Tenía 44 años.
1. I'm a Fool to Want You
2. For Heaven's Sake
3. You Don't Know What Love Is
4. I Get Along Without You Very Well
5. For All We Know
6. Violets For Your Furs
7. You've Changed
8. It's Easy to Remember
9. But Beautiful
10. Glad to Be Unhappy
11. I'll Be Around
12. The End of a Love Affair (Mono)
13. I'm a Fool to Want You (take 3)
14. I'm a Fool to Want You (take 2)
15. The End of a Love Affair (stereo)
16. Pause Track
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2. For Heaven's Sake
3. You Don't Know What Love Is
4. I Get Along Without You Very Well
5. For All We Know
6. Violets For Your Furs
7. You've Changed
8. It's Easy to Remember
9. But Beautiful
10. Glad to Be Unhappy
11. I'll Be Around
12. The End of a Love Affair (Mono)
13. I'm a Fool to Want You (take 3)
14. I'm a Fool to Want You (take 2)
15. The End of a Love Affair (stereo)
16. Pause Track
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017. Ramblin' Jack Elliott - Jack Takes the Floor(1958)
Bob Dylan le llamaba su "padre mucho tiempo perdido". Estuvo vinculado a Woody Guthrie, Brownie McGhee, y los poetas musicales.
Mick Jagger, Lou Reed, Van Morrison, Paul McCartney, Kris Kristoffersen, Bruce Springsteen, and Beck lo citan como su fuente de inspiracion. Este álbum de 1958 fue un extraordinario estandarte que muchos artistas siguen tomando como guia. Estimulante, inspirador y francamente excelente opción para escuchar. Si usted ya es un fanatico de Ramblin' Jack Elliott y si no lo es, con este álbum, pronto lo será. Al escucharle entenderá porque a tantos grandes artistas buscan a Ramblin' Jack Elliott
Mick Jagger, Lou Reed, Van Morrison, Paul McCartney, Kris Kristoffersen, Bruce Springsteen, and Beck lo citan como su fuente de inspiracion. Este álbum de 1958 fue un extraordinario estandarte que muchos artistas siguen tomando como guia. Estimulante, inspirador y francamente excelente opción para escuchar. Si usted ya es un fanatico de Ramblin' Jack Elliott y si no lo es, con este álbum, pronto lo será. Al escucharle entenderá porque a tantos grandes artistas buscan a Ramblin' Jack Elliott
1. San Francisco Bay Blues - Ramblin' Jack Elliott, Fuller, Jesse
2. Ol' Riley
3. The Boll Weevil - Ramblin' Jack Elliott, Traditional
4. Bed Bug Blues
5. New York Town - Ramblin' Jack Elliott, Guthrie, Woody
6. Old Blue - Ramblin' Jack Elliott, Public Domain
7. Grey Goose
8. Mule Skinner Blues - Ramblin' Jack Elliott, Rodgers, Jimmie [1]
9. East Texas Talking Blues
10. Cocaine
11. Dink's Song
12. Black Baby
13. Salty Dog
14. Brother Won't You Join in the Line?
15. There Are Better Things to Do
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2. Ol' Riley
3. The Boll Weevil - Ramblin' Jack Elliott, Traditional
4. Bed Bug Blues
5. New York Town - Ramblin' Jack Elliott, Guthrie, Woody
6. Old Blue - Ramblin' Jack Elliott, Public Domain
7. Grey Goose
8. Mule Skinner Blues - Ramblin' Jack Elliott, Rodgers, Jimmie [1]
9. East Texas Talking Blues
10. Cocaine
11. Dink's Song
12. Black Baby
13. Salty Dog
14. Brother Won't You Join in the Line?
15. There Are Better Things to Do
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018. Sarah Vaughan - Sarah Vaughan At Mister Kelly's (1958)
Este disco es una grabación en directo de la "Divina" Sarah Vaughan, acompañada de su trío, en un local de Chicago llamado Mister Kelly's, es el resultado de una serie de actuaciones que comprendieron los días 6, 7 y 8 de agosto de 1957. El disco da comienzo con una voz masculina que se encarga de preparar a los espectadores, explica por qué hay tantos micrófonos en el escenario y les aconseja cómo deben actuar ante una grabación en directo, van a ser grabados, por lo que han de comportarse con naturalidad; instantes más tarde Sarah Vaughan es presentada y casi podemos verla aparecer en el escenario. El poder evocador de este disco es tal que durante más de una hora sentiremos que somos nosotros los que estamos tomando una copa en el Mister Kelly's disfrutando de la actuación de la "Divina", casi podemos respirar el ambiente cargado de humo y sufrir los rigores del caluroso mes de agosto en Chicago.
Esta grabación muestra a una artista en un momento dulce de su carrera, Sarah Vaughan tenía 33 años cuando grabó ese disco y es evidente cómo disfruta con lo que hace, se muestra cercana, bromea con el público, a veces deja entrever su sensualidad y otras veces es capaz de helarnos la sangre con una voz que se encuentra entre las mejores voces femeninas de la historia de la música. Interpreta standards, algunos de ellos muy conocidos ("Willow Weep For Me", "Just One Of Those Things", "How High The Moon", "Just A Gigolo", "Embraceable You", entre otros), pero con una intensidad especial que, en la mayoría de los casos, supera en calidad al tema original. A lo largo de este disco, Sarah Vaughan navega entre la ternura y la melancolía, entre la serenidad y el esparcimiento, haciendo gala de un vibrato privilegiado y de una amplitud de registros asombrosa, a veces coquetea con el bebop utilizando sus cuerdas vocales como un instrumento más, sin duda el mejor de cuantos había en aquel escenario del Mister Kelly's. Cuando uno escucha este disco se siente obligado a dejar todo aquello cuanto está haciendo para poder disfrutar al máximo de la voz de Sarah Vaughan, es un disco cautivador que nos atrapa durante 73 minutos para transportarnos a un ambiente plácido y sereno.
Esta grabación muestra a una artista en un momento dulce de su carrera, Sarah Vaughan tenía 33 años cuando grabó ese disco y es evidente cómo disfruta con lo que hace, se muestra cercana, bromea con el público, a veces deja entrever su sensualidad y otras veces es capaz de helarnos la sangre con una voz que se encuentra entre las mejores voces femeninas de la historia de la música. Interpreta standards, algunos de ellos muy conocidos ("Willow Weep For Me", "Just One Of Those Things", "How High The Moon", "Just A Gigolo", "Embraceable You", entre otros), pero con una intensidad especial que, en la mayoría de los casos, supera en calidad al tema original. A lo largo de este disco, Sarah Vaughan navega entre la ternura y la melancolía, entre la serenidad y el esparcimiento, haciendo gala de un vibrato privilegiado y de una amplitud de registros asombrosa, a veces coquetea con el bebop utilizando sus cuerdas vocales como un instrumento más, sin duda el mejor de cuantos había en aquel escenario del Mister Kelly's. Cuando uno escucha este disco se siente obligado a dejar todo aquello cuanto está haciendo para poder disfrutar al máximo de la voz de Sarah Vaughan, es un disco cautivador que nos atrapa durante 73 minutos para transportarnos a un ambiente plácido y sereno.
1. September in the Rain
2. Willow Weep For Me
3. Just One of Those Things
4. Be Anything But Darling Be Mine
5. Thou Swell
6. Stairway to the Stars
7. Honeysuckle Rose
8. Just a Gigolo
9. How High the Moon
10. Dream - (bonus track)
11. I'm Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter
12. It's Got to Be Love
13. Alone
14. If This Isn't Love
15. Embraceable You
16. Luckiy in Love
17. Dancing in the Dark
18. Poor Butterfly
19. Sometime's I'm Happy
20. I Cover the Waterfront
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2. Willow Weep For Me
3. Just One of Those Things
4. Be Anything But Darling Be Mine
5. Thou Swell
6. Stairway to the Stars
7. Honeysuckle Rose
8. Just a Gigolo
9. How High the Moon
10. Dream - (bonus track)
11. I'm Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter
12. It's Got to Be Love
13. Alone
14. If This Isn't Love
15. Embraceable You
16. Luckiy in Love
17. Dancing in the Dark
18. Poor Butterfly
19. Sometime's I'm Happy
20. I Cover the Waterfront
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019. Ella Fitzgerald - Sings The Gershwin Songbook (1959)
En este genial recopilatorio, se recogen los temas más representativos del hito de 1959 "Ella Fitzgerald Sings the George and Ira Gershwin Songbook", creado por Lady Ella.
En esta edición editada en 2007 por UCJ Records, aparecen los temas de aquel mítico álbum que con el paso del tiempo se han asentado como temas standar en el repertorio de Ella. Estos temas fueron grabados junto a la Nelson Riddle Orquesta, y son todos parte de la extensa obra de los hermanos Ira y George Gershwin; dos de los grandes compositores americanos del siglo XX, con musicales en su haber como "Porgy & Bess", "Lady be good", "Girl Crazy", "Funny face", "Oh kay!"... Riddle arregló 59 de las composiciones de Gershwin especialmente para Ella, incluyendo una introducción y un cierre instrumentales. Cuando se realizó este proyecto sólo estaba vivo Ira Gershwin, el cual participó en la creación de esta maravilla, aportando nuevas letras. Fue tal el agrado de Ira Gershwin que pronunció la mítica frase: "No me pareció buena ninguna de nuestras canciones hasta que no las grabó Ella". Ella tenía 41 años cuando grabó el álbum, estando en el máximo esplendor de su voz, y configurando este álbum como uno de los más importantes en su carrera.
En esta edición editada en 2007 por UCJ Records, aparecen los temas de aquel mítico álbum que con el paso del tiempo se han asentado como temas standar en el repertorio de Ella. Estos temas fueron grabados junto a la Nelson Riddle Orquesta, y son todos parte de la extensa obra de los hermanos Ira y George Gershwin; dos de los grandes compositores americanos del siglo XX, con musicales en su haber como "Porgy & Bess", "Lady be good", "Girl Crazy", "Funny face", "Oh kay!"... Riddle arregló 59 de las composiciones de Gershwin especialmente para Ella, incluyendo una introducción y un cierre instrumentales. Cuando se realizó este proyecto sólo estaba vivo Ira Gershwin, el cual participó en la creación de esta maravilla, aportando nuevas letras. Fue tal el agrado de Ira Gershwin que pronunció la mítica frase: "No me pareció buena ninguna de nuestras canciones hasta que no las grabó Ella". Ella tenía 41 años cuando grabó el álbum, estando en el máximo esplendor de su voz, y configurando este álbum como uno de los más importantes en su carrera.
Disc: 1
01. Sam And Delilah
02. But Not For Me
03. My One And Only
04. Let's Call The Whole Thing Off
05. Beginner's Luck
06. Oh, Lady Be Goood
07. Nice Work If You Can Get It
08. Things Are Looking Up
09. Just Another Rhumba
10. How Long Has This Been Going On?
11. 'S Wonderful
12. Man I Love, The
13. That Certain Feeling
14. By Strauss
15. Someone To Watch Over Me
16. The Real American Folk Song (Is A Rag)
17. Who Cares?
Disc: 2
01. Looking For A Boy
02. They All Laughed
03. My Cousin In Milwaukee
04. Somebody From Somewhere
05. A Foggy Day
06. Clap Yo' Hands
07. For You, For Me, For Evermore
08. Stiff Upper Lip
09. Boy Wanted
10. Strike Up The Band
11. Soon
12. I've Got A Crush On You
13. Bidin' My Time
14. Aren't You Kind Of Glad We Did?
15. Of Thee I Sing (Baby)
16. "The Half Of It, Dearie" Blues
17. I Was Doing All Right
18. He Loves And She Loves
Disc 3:
01. Love Is Sweeping The Country
02. Treat Me Rough
03. Love Is Here To Stay
04. Slap That Bass
05. Isn't It A Pity?
06. Shall We Dance
07. Love Walked In
08. You've Got What Gets Me
09. They Can't Take That Away From Me
10. Embraceable You
11. I Can't Be Bothered Now
12. Boy! What Love Has Done To Me!
13. Fascinating Rhythm
14. Funny Face
15. Lorelei
16. Oh, So Nice!
17. Let's Kiss And Make Up
18. I Got Rhythm
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01. Sam And Delilah
02. But Not For Me
03. My One And Only
04. Let's Call The Whole Thing Off
05. Beginner's Luck
06. Oh, Lady Be Goood
07. Nice Work If You Can Get It
08. Things Are Looking Up
09. Just Another Rhumba
10. How Long Has This Been Going On?
11. 'S Wonderful
12. Man I Love, The
13. That Certain Feeling
14. By Strauss
15. Someone To Watch Over Me
16. The Real American Folk Song (Is A Rag)
17. Who Cares?
Disc: 2
01. Looking For A Boy
02. They All Laughed
03. My Cousin In Milwaukee
04. Somebody From Somewhere
05. A Foggy Day
06. Clap Yo' Hands
07. For You, For Me, For Evermore
08. Stiff Upper Lip
09. Boy Wanted
10. Strike Up The Band
11. Soon
12. I've Got A Crush On You
13. Bidin' My Time
14. Aren't You Kind Of Glad We Did?
15. Of Thee I Sing (Baby)
16. "The Half Of It, Dearie" Blues
17. I Was Doing All Right
18. He Loves And She Loves
Disc 3:
01. Love Is Sweeping The Country
02. Treat Me Rough
03. Love Is Here To Stay
04. Slap That Bass
05. Isn't It A Pity?
06. Shall We Dance
07. Love Walked In
08. You've Got What Gets Me
09. They Can't Take That Away From Me
10. Embraceable You
11. I Can't Be Bothered Now
12. Boy! What Love Has Done To Me!
13. Fascinating Rhythm
14. Funny Face
15. Lorelei
16. Oh, So Nice!
17. Let's Kiss And Make Up
18. I Got Rhythm
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020. Ray Charles - The Genius of Ray Charles (1959)
El genio de Ray Charles es un álbum realizado en 1959. En 2003, el álbum ocupó el número 263 de la revista Rolling Stone en la lista de las 500 más grandes álbumes de todos los tiempos. Hermoso disco de un tipo totalmente adelantado a su época, Ray Charles le da vida al soul por aquellos años y lo mezcla con un poco de blues y jazz, como resultado nos deja excelentes temas como: "Let the good times roll", "It had to be you", "Deed i do" y "Come rain or come shine", que realmente lo considero incomparable.
1. Let The Good Times Roll
2. It Had To Be You
3. Alexander's Ragtime Band
4. Two Years Of Torture
5. When Your Lover Has Gone
6. Deed I Do
7. Just For A Thrill
8. You Won't Let Me Go
9. Tell Me You'll Wait For Me
10. Don't Let The Sun Catch You Crying
11. Am I Blue
12. Come Rain Or Come Shine
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2. It Had To Be You
3. Alexander's Ragtime Band
4. Two Years Of Torture
5. When Your Lover Has Gone
6. Deed I Do
7. Just For A Thrill
8. You Won't Let Me Go
9. Tell Me You'll Wait For Me
10. Don't Let The Sun Catch You Crying
11. Am I Blue
12. Come Rain Or Come Shine
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021. Miles Davis – Kind of Blue (1959)
Hace mas de medio siglo, Miles Davis cambió la historia de la música con "Kind of blue",
Ha sido considerado el disco más importante del jazz, una de las grandes obras de la música de todos los tiempos y un gran éxito comercial, con más de cuatro millones de copias vendidas desde su publicación en 1959.
Miles Davis (1926-1991) apenas tenía un esbozo de las canciones que pretendía grabar, pero para crear su obra maestra le bastaron diez horas, repartidas en dos sesiones celebradas el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959.
El trompetista norteamericano estuvo acompañado por un grupo excepcional de músicos en aquellas sesiones que se celebraron en el estudio de Columbia en la Calle 30 de Nueva York.
El estudio, ya desaparecido, había sido construido sobre una antigua iglesia armenia y sus salas de madera ofrecían una acústica extraordinaria.
Acompañaron a Miles el legendario saxofonista John Coltrane y el contrabajista Paul Chambers, dos miembros del famoso quinteto que el trompetista había puesto en marcha a mediados de los cincuenta y con el que firmó una serie memorable de discos, iniciada con "'Round about midnight" (1955).
El equipo se completó con Julian "Cannonball" Adderley, en el saxo alto; Jimmy Cobb -el único miembro del grupo que vive aún-, a la batería; y Bill Evans -el único blanco de la banda-, al piano.
El pianista Wynton Kelly colaboró en uno de los seis temas del álbum, el chispeante "Freddie Freeloader".
La destreza de aquellos músicos y su inspiración en esas sesiones les permitió grabar en una sola toma cada una de las cinco piezas incluidas en el disco, algo que ya era inusual en aquella época.
Los temas surgieron de la improvisación y de la experimentación con la música modal -basada en escalas-, técnicas que Miles ya había practicado en 1957 en la banda sonora de "Ascensor para el cadalso", de Louis Malle, y en el álbum "Milestones", un año después.
El resultado de "Kind of blue", una obra creada de principio a fin en el estudio de grabación, fue tan impactante que medio siglo después es aún objeto de debate entre aficionados y especialistas.
Aquel álbum no proponía una simple sucesión de canciones, sino un proyecto artístico completo: un viaje sonoro que comenzaba con el célebre "So what" y concluía con "Flamenco sketches", un tema de influencias españolas.
El álbum conquistó las mentes inquietas de las clases medias de la época y dio una nueva dimensión al jazz.
Pero su influencia alcanzó a otros géneros y se adelantó a los discos conceptuales publicados en los años sesenta, como el emblemático "Sgt. Pepper's" de los Beatles.
El impacto de "Kind of blue" ha llegado a músicos de las últimas hornadas, quienes proclaman que este álbum es "como la Biblia".
Ha sido considerado el disco más importante del jazz, una de las grandes obras de la música de todos los tiempos y un gran éxito comercial, con más de cuatro millones de copias vendidas desde su publicación en 1959.
Miles Davis (1926-1991) apenas tenía un esbozo de las canciones que pretendía grabar, pero para crear su obra maestra le bastaron diez horas, repartidas en dos sesiones celebradas el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959.
El trompetista norteamericano estuvo acompañado por un grupo excepcional de músicos en aquellas sesiones que se celebraron en el estudio de Columbia en la Calle 30 de Nueva York.
El estudio, ya desaparecido, había sido construido sobre una antigua iglesia armenia y sus salas de madera ofrecían una acústica extraordinaria.
Acompañaron a Miles el legendario saxofonista John Coltrane y el contrabajista Paul Chambers, dos miembros del famoso quinteto que el trompetista había puesto en marcha a mediados de los cincuenta y con el que firmó una serie memorable de discos, iniciada con "'Round about midnight" (1955).
El equipo se completó con Julian "Cannonball" Adderley, en el saxo alto; Jimmy Cobb -el único miembro del grupo que vive aún-, a la batería; y Bill Evans -el único blanco de la banda-, al piano.
El pianista Wynton Kelly colaboró en uno de los seis temas del álbum, el chispeante "Freddie Freeloader".
La destreza de aquellos músicos y su inspiración en esas sesiones les permitió grabar en una sola toma cada una de las cinco piezas incluidas en el disco, algo que ya era inusual en aquella época.
Los temas surgieron de la improvisación y de la experimentación con la música modal -basada en escalas-, técnicas que Miles ya había practicado en 1957 en la banda sonora de "Ascensor para el cadalso", de Louis Malle, y en el álbum "Milestones", un año después.
El resultado de "Kind of blue", una obra creada de principio a fin en el estudio de grabación, fue tan impactante que medio siglo después es aún objeto de debate entre aficionados y especialistas.
Aquel álbum no proponía una simple sucesión de canciones, sino un proyecto artístico completo: un viaje sonoro que comenzaba con el célebre "So what" y concluía con "Flamenco sketches", un tema de influencias españolas.
El álbum conquistó las mentes inquietas de las clases medias de la época y dio una nueva dimensión al jazz.
Pero su influencia alcanzó a otros géneros y se adelantó a los discos conceptuales publicados en los años sesenta, como el emblemático "Sgt. Pepper's" de los Beatles.
El impacto de "Kind of blue" ha llegado a músicos de las últimas hornadas, quienes proclaman que este álbum es "como la Biblia".
1. So What
2. Freddie Freeloader
3. Blue In Green
4. All Blues
5. Flamenco Sketches
6. Flamenco Sketches (alternate take)
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2. Freddie Freeloader
3. Blue In Green
4. All Blues
5. Flamenco Sketches
6. Flamenco Sketches (alternate take)
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022. Marty Robbins – Gunfighter Ballads & Trail Songs (1959)
Marty Robbins no fue simplemente una estrella country. Durante los 30 años de su carrera, constantemente sorprendió a sus fans haciendo álbumes con pop, rock & roll, calypso y gospel. Conocido por "Gunfighter Ballads and Trail Songs", que incluia su popular single de 1959 "El Paso", Robbins habia comenzado su carrera haciendo tear-jerkers a inicios de los 50's, como "Crying 'Cause I Love You" y "I'll Go On Alone". En 1956 "Singing the Blues" fue su hit country y en 1957 "A White Sportcoat (and a Pink Carnation)” fue número dos. Comenzó a trabajar como actor en los 60's en TV, en "The Drifter".
1. Big Iron
2. Hundred and Sixty Acres
3. They're Hanging Me Tonight
4. Cool Water
5. Billy the Kid
6. Utah Carol
7. Strawberry Roan
8. Master's Call
9. Running Gun
10. Paso
11. In the Valley
12. Little Green Valley
13. Hanging Tree
14. Saddle Tramp
15. Paso [Full-Length Version]
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2. Hundred and Sixty Acres
3. They're Hanging Me Tonight
4. Cool Water
5. Billy the Kid
6. Utah Carol
7. Strawberry Roan
8. Master's Call
9. Running Gun
10. Paso
11. In the Valley
12. Little Green Valley
13. Hanging Tree
14. Saddle Tramp
15. Paso [Full-Length Version]
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023. Dave Brubeck Quartet – Time Out (1959)
Grabado en tres sesiones el 25 de Junio, el 1 de Julio y el 18 de Agosto de 1959; fue publicado ese mismo año por el Dave Brubeck Quartet a través de Columbia Records. El álbum fue pensado como un experimento en el que se utilizaban distintos ritmos infrecuentes en la música Jazz.
En un principio, el disco recibió críticas negativas por el uso de estos ritmos inauditos en el Jazz; pero se ha convertido en uno de los discos de este estilo musical más conocidos de la historia. El titulo “Time Out” ya nos tendría que haber puesto al menos en aviso, pero si quedaban dudas arrancan los fuertes matices clásicos del tema “Blue Rondo à la Turk”. Y es ciertamente un toque blusero que toma como primeriza base a la conocida “Marcha Alla Turca” del virtuoso compositor clásico Wolfgang Amadeus Mozart. Bello y experimental tema sin ningún minimo desperdicio. Le sigue la colorida balada con aires a vals llamada “Strange Meadow Lark”. No dejar pasar de largo al estupendo y cálido solo del saxofonista Paul Desmond. Sinceramente una delicia. Sale a nuestro encuentro el ya standard “Take Five”, compuesto por Paul Desmond. Sin lugar a dudas una de las piezas más populares de la obra.
Sin embargo hacer notar el extenso e imperecedero solo del baterista Joe Morello.
“Three to Get Ready” sigue en la linea clásica y del vals, donde todo es tan ajustado que parece no poder haber sido mejor concebido. Por cierto, aquí hay rienda suelta al amplio y magnifico imaginario de Dave Brubeck. Pegadito viene el tema llamado “Kathy’s Waltz”, parecido a simple oída al anterior, aunque ya sabemos todos que eso no es cierto y así es que nos dejamos llevar sin más por estos virtuosos. Dulce, grande y a su vez pequeña, pero nunca subestimada. Continúa con “Everybody’s Jumpin’”, donde se derrocha swing a desparpajo y para todos los gustos. Clara muestra de la maestría del cuarteto a pleno.
Ya en el final nos encontramos con el tema titulado “Pick Up Sticks“, del cual podría remarcar la maravillosa labor de Eugene Wright en el contrabajo, dándole un cierto aire “smooth” del todo irresistible.
En un principio, el disco recibió críticas negativas por el uso de estos ritmos inauditos en el Jazz; pero se ha convertido en uno de los discos de este estilo musical más conocidos de la historia. El titulo “Time Out” ya nos tendría que haber puesto al menos en aviso, pero si quedaban dudas arrancan los fuertes matices clásicos del tema “Blue Rondo à la Turk”. Y es ciertamente un toque blusero que toma como primeriza base a la conocida “Marcha Alla Turca” del virtuoso compositor clásico Wolfgang Amadeus Mozart. Bello y experimental tema sin ningún minimo desperdicio. Le sigue la colorida balada con aires a vals llamada “Strange Meadow Lark”. No dejar pasar de largo al estupendo y cálido solo del saxofonista Paul Desmond. Sinceramente una delicia. Sale a nuestro encuentro el ya standard “Take Five”, compuesto por Paul Desmond. Sin lugar a dudas una de las piezas más populares de la obra.
Sin embargo hacer notar el extenso e imperecedero solo del baterista Joe Morello.
“Three to Get Ready” sigue en la linea clásica y del vals, donde todo es tan ajustado que parece no poder haber sido mejor concebido. Por cierto, aquí hay rienda suelta al amplio y magnifico imaginario de Dave Brubeck. Pegadito viene el tema llamado “Kathy’s Waltz”, parecido a simple oída al anterior, aunque ya sabemos todos que eso no es cierto y así es que nos dejamos llevar sin más por estos virtuosos. Dulce, grande y a su vez pequeña, pero nunca subestimada. Continúa con “Everybody’s Jumpin’”, donde se derrocha swing a desparpajo y para todos los gustos. Clara muestra de la maestría del cuarteto a pleno.
Ya en el final nos encontramos con el tema titulado “Pick Up Sticks“, del cual podría remarcar la maravillosa labor de Eugene Wright en el contrabajo, dándole un cierto aire “smooth” del todo irresistible.
1. Blue Rondo a La Turk
2. Strange Meadow Lark
3. Take Five
4. Three to Get Ready
5. Kathy's Waltz
6. Everybody's Jumpin'
7. Pick Up Sticks
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2. Strange Meadow Lark
3. Take Five
4. Three to Get Ready
5. Kathy's Waltz
6. Everybody's Jumpin'
7. Pick Up Sticks
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024. Joan Baez – Joan Baez (1960)
Hija de un físico mexicano y de una profesora de literatura, segunda hermana del físico John Baez, su carrera comienza en Boston, donde consiguió una gran repercusión con su actuación en el Newport Folk Festival de 1959, a los 18 años. Disco debut de Joan Baez, compuesto enteramente por canciones tradicionales del folk. Incluye "House of the rising sun", reversionada por Dylan dos años más tarde y de ahí llegó a oídos de los ingleses Animals, que grabaron la versión más conocida del tema en 1964. Baez fue el rostro más popular de la música folk y de protesta, siendo la estrella de festivales y giras y cantando en actos político. Cantó en prisiones y como los afroamericanos no podían ir a los teatros de los blancos, Joan fue a cantar a sus teatros. Vivió con Bob Dylan entre 1963 y 1965 y juntos se ganaron el título del Rey y la Reina de la Canción protesta. Luchó en contra de la guerra de Vietnam y a favor de los derechos civiles. Por negarse a pagar los impuestos que ella consideraba se usaban en Vietnam, fue encarcelada varias veces y vigilada por la CIA. También usaba una gran parte de lo que ganaba en apoyar a organizaciones por los derechos civiles y la no-violencia.
Seguidora de Ghandi y de su ideología no-violenta, creó en Palo Alto el Instituto de Estudios para la No-Violencia. Como otros intérpretes de folk, Baez se vio influenciada por la aparición de los Beatles en Estados Unidos y por el folk rock de Dylan.
Seguidora de Ghandi y de su ideología no-violenta, creó en Palo Alto el Instituto de Estudios para la No-Violencia. Como otros intérpretes de folk, Baez se vio influenciada por la aparición de los Beatles en Estados Unidos y por el folk rock de Dylan.
1. Silver dagger
2. East Virginia
3. Fare thee well
4. House of the rising sun
5. All my trials
6. Wildwood flower
7. Donna Donna
8. John Riley
9. Rake and rambling boy
10. Little moses
11. Mary Hamilton
12. Henry Martin
13. El preso numero nueve
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2. East Virginia
3. Fare thee well
4. House of the rising sun
5. All my trials
6. Wildwood flower
7. Donna Donna
8. John Riley
9. Rake and rambling boy
10. Little moses
11. Mary Hamilton
12. Henry Martin
13. El preso numero nueve
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025. Elvis Presley – Elvis is Back!(1960)
Después de salir del ejército en 1960, su sonido y su estilo cambiaron. Su primer álbum de regreso a la vida civil, Elvis is back reflejaba una nueva voz con un gran control, que había madurado en esos dos años durante su servicio militar. Esto, combinado con técnicas de grabación improvisadas, hicieron que sonara mejor que nunca. Lanzó al mercado su nuevo álbum en dos años, con un repertorio con música más madura que incluía no sólo Rock& Roll, sino Rhythm & Blues, Pop y Gospel.
Además de su pasión por la música, tenía un enorme deseo de convertirse en actor serio. Su manager, el Coronel Parker, le fomentó esa aspiración como un mecanismo para tenerlo más expuesto, había Elvis en todas partes.
Después de salir del ejército en 1960, su sonido y su estilo cambiaron. Su primer álbum de regreso a la vida civil, Elvis is back reflejaba una nueva voz con un gran control, que había madurado en esos dos años durante su servicio militar. Esto, combinado con técnicas de grabación improvisadas, hicieron que sonara mejor que nunca. Lanzó al mercado su nuevo álbum en dos años, con un repertorio con música más madura que incluía no sólo Rock& Roll, sino Rhythm & Blues, Pop y Gospel.
Además de su pasión por la música, tenía un enorme deseo de convertirse en actor serio. Su manager, el Coronel Parker, le fomentó esa aspiración como un mecanismo para tenerlo más expuesto, había Elvis en todas partes.
1. Make Me Know It
2. Fever
3. Girl of My Best Friend
4. I Will Be Home Again
5. Dirty, Dirty Feeling
6. Thrill of Your Love
7. Soldier Boy
8. Such a Night
9. It Feels So Right
10. Girl Next Door Went A'walking
11. Like a Baby
12. Reconsider Baby
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2. Fever
3. Girl of My Best Friend
4. I Will Be Home Again
5. Dirty, Dirty Feeling
6. Thrill of Your Love
7. Soldier Boy
8. Such a Night
9. It Feels So Right
10. Girl Next Door Went A'walking
11. Like a Baby
12. Reconsider Baby
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